We bevinden ons in het groenste snoepje van Vlaanderen, Zutendaal.
Indoor Galerie gecombineerd met beeldentuin in het voorjaar & zomer. Zeker een bezoekje waard!
Het creatieve duo Dominique & Kurt heet jullie van harte welkom! Geniet van de reis door onze galerie en voel je vrij om contact met ons op te nemen voor een persoonlijke ontmoeting.
Om de 3 maanden wisselen we van kunstenaars,
De huidige tentoonstelling loopt van 12 januari tot 29 maart 2024.
Geen gevoel voor het aankleden van je interieur? Wij helpen je op weg met professioneel kunstadvies aan huis!
Maarten Vaessen
° Victory ° € 1.995,-
We zijn dol op onze klanten, dus aarzel niet om ons tijdens de normale openingsuren te bezoeken of maak gerust een afspraak wanneer het past..
vandaag | Op afspraak |
Mijn werk wil over de stilte en het onuitsprekelijke gaan, dit in een intens minimalistische stijl. De emoties van de moderne mens. In de beperking herkent men het meesterschap, het is dit meesterschap wat ik nastreef. Het is niet de mens die ik wil schilderen, wel het mensbeeld. In ieder werk moet een sensatie zitten, we leven van die sensatie, dat maakt het de moeite. Onze eigen sensatie is alles wat we hebben. Het kunstenaarschap is geen keuze, wat ik doe is wat ik ben. We verhouden ons tot de werkelijkheid via de verbeelding, stopt de verbeelding, dan is werk en dus het leven ten einde. Om innerlijke rust te vinden moet je afmaken wat je begonnen bent. Schoonheid is wel degelijk een kwestie van waarheid, die waarheid is dikwijls irrationeel, creatief als het om destructie gaat. Om te voelen dat we leven hebben we destructie nodig. Melancholie en schoonheid liggen zeer dicht bij elkaar.
Glashelder is een uitdrukking die we, wellicht, allemaal kennen. Maar alleen een kenner weet dat glas allesbehalve helder is. Blauwgroen is de natuurlijke kleur, heb ik me laten vertellen. Het lijkt erop dat Relinde Molhoek in een eerdere fase van haar werk bij de oorsprong wilde blijven, misschien om de kleur blauw te willen verkennen.
De evolutie van haar barnsteenachtige schalen naar het koninkrijk der kleuren is bijzonder om te volgen. Daarbij heeft ze de focus op haar oude thema De Schaal, een voorwerp dat bijeen houdt en presenteert, verlegd naar de persone oftewel het masker…de gekleurde psyche van de mens.
Afhankelijk van de context verwijzen de glazen maskers naar het publieke beeld van iemands persoonlijkheid, of de sociale rol die men aanneemt. Het kan ook een fictief personage zijn of zelfs de maatschappij als geheel. Ik heb het haar nooit durven vragen.
In ieder geval, voor mij is Molhoek een oprechte kunstenaar die de helderheid en de gekleurdheid van het glas en de psyche niet schuwt. (Redouan Harrak)
Na het verwerven van basisvaardigheden in de beeldende kunsten vervolmaakte Christel Kil zich in de opleiding beeldhouwen en ruimtelijke kunst aan de stedelijke academie voor schone kunsten te Hasselt. In haar werk stileert ze het individu tot archetypische houdingen en gestalten, sober in vormgeving en kleur, soms anoniem maar daardoor ook universeel. Haar werken stellen de verbinding tussen mensen centraal. Figuren zoeken interactie met elkaar en met de toeschouwer, of schuwen die interactie juist. Veel van haar creaties mediteren op de veranderende omgangsvormen in de hedendaagse samenleving en stellen de verschuivende grenzen tussen nieuwsgierigheid, privacy en eenzaamheid aan de kaak. Tegelijk laat de kunstenares ruimte voor speelsheid, zowel bij het creëren als bij het aanschouwen van de werken.
EEN PASSIE VOOR CREËREN
Ik ben een verhalenverteller, niet met woorden maar met beelden. Ik heb geen specifieke kunst- of
designeropleiding genoten, ik ben een autodidact. Eigenzinnig als ik ben, laat ik mezelf geen regeltjes
opleggen, maar wil ik gewoon eindeloos experimenteren. Ik doe alles vanuit mijn gevoel, mijn “zijn”.
Ik ben een echt gevoelsmens. De beste ideeën ontstaan tijdens mijn dagelijkse wandelingen met de
honden in het bos. Natuur en rust zijn mijn inspiratie, tijd om tot mezelf te komen. Op die
momenten voel ik me Alice in Wonderland. Een schijnbaar onuitputtelijke stroom van ideeën
wervelen rond in mijn hoofd. Dat zijn mijn meest creatieve momenten. Ik maak schetsen in mijn
hoofd, die ik bij thuiskomst noteer in mijn ideeënboek. Sommigen werk ik in een later stadium uit,
terwijl anderen de werkelijkheid misschien nooit zullen halen. Ik maak in de eerste plaats dingen die
ik zelf mooi vind. Creëren is één grote speeltuin waar ik kan experimenteren met materialen,
technieken, ideeën en mogelijkheden. Het proces is dikwijls nog interessanter dan het uiteindelijke
resultaat. Het mooie aan de dingen de je creëert is dat het niemand onverschillig laat. Mensen
vinden het mooi of net niet. Een tussenweg is er meestal niet.
In zijn atelier is de spanning tussen onvolmaaktheid en perfectie te snijden. De zoektocht naar volmaaktheid is veel meer dan een uitdaging. Zijn scheppingsdrang wordt bepaald door een passie die hem telkens weer in conflict brengt met de “roze bril”-werkelijkheid, waarmee onze consumptie-maatschappij zich geregeld om de tuin laat leiden. Een beeld is slechts vanuit één bepaalde hoek perfect. Verander je het perspectief, dan kom je altijd wel iets minder fraais tegen. Bij de mens is het nét zo. Dit besef bepaalt zijn leven en zijn kunst elke dag opnieuw.
Een ideaal leven zou er uit kunnen zien als een puntgave bol. Maar een leven is nooit compleet, er ontbreekt altijd wel iets. Dit is niet alleen diepste overtuiging, maar stoelt ook op ervaring. De beelden die ons via de massamedia bereiken suggereren een werkelijkheid waar de meesten onder ons alleen maar van dromen.
De objecten zijn met andere woorden verhalenvertellers, beelden die voor elke aanschouwer, vanuit ieder perspectief een individuele boodschap in zich meedragen.
Geert ziet zichzelf als een plastische vormgever die de confrontatie aangaat met vormen. Hij streeft naar een resultaat dat in de eerste plaats het oog moet behagen, zonder pretentie. Filosofische overwegingen en intuïtie leiden hem, maar ook het experiment. Deze werkwijze leidt tot resultaten met een geheel eigen vormtaal.
De kunstwerken van de Belgische kunstenaar David Speybrouck, die in de buurt van Leuven woont, zijn een samenspel van zien en voelen, van visuele esthetiek en echte of gevoelde tastzin. Naast de visuele perceptie speelt het zintuiglijke element van de haptische ervaring - de tastzin - een essentiële rol in het werk van David. Hij creëert een spanningsveld tussen wat men ogenschijnlijk ziet en wat men letterlijk en figuurlijk voelt. Speybrouck tast de grenzen af en zoekt de convergentie tussen het basisidee en het mogelijke resultaat.
Belangrijke aspecten zijn vorm en ritme, volheid en leegte.
Licht en schaduw zijn de eigenlijke materialen van de kunstenaar. Hij steekt honderden naalden in zijn doeken; de schaduwen die de naalden werpen zijn net zo'n opzettelijk en veranderlijk element van de werken als de naalden zelf. Afhankelijk van het licht en het tijdstip van de dag werpen de naalden lange, zachte of harde schaduwen.
Speybroucks composities werden geïnspireerd door braille en het is geen toeval dat hij voortdurend bezig is met manuscripten en de artistieke visualisatie van literatuur. Het spel van licht en schaduw geeft zijn composities hun essentiële diepte en voortdurend veranderende perceptie.
Deze tentoonstelling geeft een beeld van de ontwikkeling van Marcel Grosemans.
Van jongs af aan is hij begeesterd door kleuren, vormen en technieken.
Vandaar dat hij na zijn middelbare school koos voor binnenhuisarchitectuur, het vroegere St-Lucas
van Hasselt. Tijdens zijn studentenjaren stond Marcel bekend omwille van zijn karikaturen. Ook
muziek, zoals flamenco gitaar en piano spelen, maken deel uit van zijn creatieve levensstijl.
Tijdens zijn werkloopbaan doorkruisen verschillende architectenbureaus zijn pad.
Ontwerpen, inrichten en begeleiden zijn de hoofdactiviteiten hiervan.
In september 2014 kwam een start van zijn artistieke ontplooiing aan bod door lessen te gaan volgen
aan de Genkse Academie afdeling schilderkunst. Hier vindt hij zijn rust en voldoening om steeds te
blijven zoeken naar ideeën die langzaam naar boven komen in een diversiteit aan creaties.
‘Het schilderen van mijn doeken is een weergave en interpretatie van mijn waarnemingen, gedachten
en etherisch denken.’
De bezoekers kunnen kennis maken met spannende, kleurrijke en sprekende werken die Marcel
typeren door de bewegende beelden op zijn doeken.
Inge's werk gaat over de vergankelijkheid en vluchtigheid van het leven. Haar schilderijen zijn een manier om alles wat komt en gaat stil te zetten en onder de aandacht van de toeschouwer te brengen.
Haar straatbeelden vangen de interacties en beweging van het dagelijkse leven in de stad. Ze observeert de stedelijke natuur en haar voorbijgaande bewoners van dichtbij en vanuit verschillende perspectieven, waarbij ze zowel de anonimiteit van de massa als de zeldzame en kostbare momenten van echt contact en intimiteit visualiseert.
Niet al haar schilderijen zijn echter straatbeelden. Soms gaat haar werk over de vluchtigheid en ongrijpbaarheid van herinneringen, of de dunne lijn tussen droom en werkelijkheid. Soms wil ze gewoon een ongrijpbaar gebaar of actie vastleggen die verdwijnt voordat het op cavas kan worden gezet.
Inge is professioneel kunstenaar sinds 2007. Haar werk is opgenomen in openbare en privécollecties over de hele wereld.
Frank Coenegrachts (1969°) is een Belgische kunstschilder met een passie voor representatieve kunst. Met zijn figuratieve schilderijen geeft hij zijn unieke kijk op de menselijke gesteldheid weer. Frank zijn interesse in de mens laat dan ook een sterke indruk na in zijn werk, zoekende naar zowel een visuele alsook een psychologische kracht. Hij tracht een gevoel van rust en intimiteit te creeren, waardoor er een subtiel geladen realiteit ontstaat.
Frank Coenegrachts zijn kunstopleiding is voornamelijk autodidactisch, waardoor hij na het bestuderen van meerdere schildertechnieken zijn eigen stijl heeft ontwikkeld. Zijn stijl kan omschreven worden als realisme met een infusie van abstractie. Alle werken zijn geschilderd in olieverf op doek. Door het toepassen van snel penseelwerk in de alla prima techniek (nat in nat), laten de werken een impulsievere indruk na.
Ger Doorninks oog voor design en nauwe banden met de modewereld zijn evident, evenals zijn fascinatie voor de Italiaanse en Nederlandse meesters. Gedurende zijn lange en gevarieerde internationale carrière in design, fotografie, mode en kunst heeft hij kennis opgedaan van diverse technieken, die op zijn doeken samenkomen om de schoonheid zelf uit te beelden.
Er wordt iets magisch overgedragen van Doorninks oog naar het onze, via een code die tegelijkertijd moderniteit, gevoeligheid, fijngevoeligheid en kracht uitstraalt. Er zijn onzichtbare kleuren die Doornink zichtbaar maakt, en blikken die alleen door een passende lichtflits worden onderstreept. Daarom lijkt zijn werk, ondanks dat het zo eigentijds is, altijd al te hebben bestaan.
Beroepskunstenaar MAARTEN VAESSEN maakt op expressieve wijze ijzeren roestsculpturen. Hij heeft geen specifieke kunstopleiding gevolgd, hij doet toch niet wat de leraar zegt. Kenmerkend voor Maarten’s werk zijn onafgewerkte lasnaden, lasspetters en ook deuken vindt hij niet erg.
De abstracte en enkele figuratieve werken zijn puur en stoer door de combinatie van oermaterialen zoals ijzer met Maasstenen.
De sculpturen plaatst hij vaak op zware, robuuste hardhouten sokkels gemaakt van oude meerpalen.
Gisèle Zanellato Gisèle Zanellato is een ongewone artieste. Haar werk bestaat uit een moderne houding. Ze creëert scènes van beelden om nieuwe 3D realiteiten zonder regels en logica te maken. Gisèle Zanellato is geboren in 1960. Ze woont en werkt in Bergen, België. Na haar studies grafische kunst aan de Academie van Beeldende Kunsten van Bergen, was ze 25 jaar lang artistieke adviseur in een textieldrukkerij. In 2014 heeft haar artistieke carrière een nieuwe koers genomen toen ze zich concentreerde op knip- en plaktechnieken in 3D. Ze creëert beelden waar elementen uit verschillende kunstvormen zoals schilderkunst, tapijtwerk, architectuur en fotografie zonder duidelijke logica samengesteld worden om een unieke wereld te reconstrueren. Deze verrassende en fantasievolle associaties zijn de sleutels naar een surrealistische wereld waar niets au sérieux moet genomen worden en waar de visuele woordenschat toegankelijk is. Elk kunstwerk is een hypnotiserende reis naar het hart van de verbeelding van de kunstenares.
Door het gebruik van verschillende teken- en schildertechnieken in combinatie met echt beeldmateriaal creëert Nikki Pelaez een raadselachtige wereld waarin het thema onschuld (en het verliezen ervan) centraal staat. Haar werk zit vol tegenstellingen, zowel inhoudelijk als ook qua vorm en techniek.
Thema's als; vertrouwdheid en vervreemding, onschuld en verdorvenheid, verbondenheid en eenzaamheid spelen een rol. Nikki Pelaez bouwt haar werken op uit verschillende lagen. Zij gebruikt bestaand beeldmateriaal als uitgangspunt. Vooral foto's die zij zelf maakt van kinderen en jongeren.
Deze foto's worden op diverse manieren door haar bewerkt, bijvoorbeeld door verschillende afbeeldingen op een collage-achtige manier samen te voegen of door stukjes foto toe te voegen aan een tekening.
Het resultaat van dit proces wordt in zwart-wit uitvergroot en vervolgens gaat zij aan de slag met traditionelere media als inkt, verf, aquarel, houtskool en pastelkrijt.
Verschillende teken, en schildertechnieken komen hierbij aan bod.
De lijntekening (vaak in het wit, soms in het zwart) die als laatste wordt geplaatst vormt hierbij een soort mystieke tweede werkelijkheid die het werk dieper of gelaagder maakt. Op deze manier bereikt Nikki Pelaez een intense persoonlijke beeldtaal.
Dominique Brouwer, geboren in 1974 in een kunstzinnig gezin, koesterde al op jonge leeftijd een passie voor kunst en esthetiek. Met ouders die haar van kinds af aan omringden met artistieke invloeden, ontwikkelde ze een scherp oog voor schoonheid. Haar creativiteit en vakmanschap vloeien voort uit een leven gewijd het vormgeven van de visuele pracht om haar heen.
Dominique startte samen met haar partner Kurt, twee jaar geleden deze bijzondere kunstgalerie op. Deze onderneming is een prachtige samensmelting van haar 25 jaar ervaring als interieurarchitect, haar passie voor schilderen die 10 jaar geleden begon, en de creatieve visie van hun als koppel. Samen creëren ze een unieke ruimte waar de drie werelden van interieurdesign, kunst en hun persoonlijke connectie op harmonieuze wijze samenkomen.
"Art is like an illness, you have it in you and at some point it breaks out of you"
Joachim Seitfudem maakt figuren van hout en vaak van oude klokonderdelen. Zijn werken vertellen verhalen van jonge zielen, dromen, de dood en het verstrijken van de tijd. De meeste van zijn werken zitten in een zwarte doos, alsof ze thuis zijn in een eigen wereld en niets afleidt van hun boodschap. Zijn surrealistische taferelen herinneren ons eraan om in het hier en nu te leven.
Joachim Seitfudem over zijn kunst: "Ik doe wat ik leuk vind, wat ik nog niet eerder heb gezien. En het maakt me niet uit of andere mensen het mooi vinden. Het belangrijkste is dat het de kijker boeit, in goede en in slechte tijden."
Mijn werk is blijvend onderzoekend. Ik leer van het maken van een beeld, gefascineerd door ieder
maakproces dat steeds weer anders is. Het kunstzinnig scheppen begint met aftasten. Welk materiaal ga ik gebruiken en wat heb ik te vertellen. Hoeveel ruimte biedt een steen? Beeldhouwen is
vormgeven door materiaal te verwijderen. Iets dat is weggehakt kan niet meer worden teruggehaald,
in die zin is beeldhouwen confronterend, elke handeling heeft consequenties'.
Het begrip Polariteit, als essentieel onderdeel van ons bestaan, probeert Jos in haar werk tot
uitdrukking te brengen. De zachtheid van het beeld in relatie tot de hardheid van de gebruikte materialen.
Er is geen facet van het leven te verzinnen of je kunt er twee tegenpolen van benoemen. Maar
weten heeft geen waarde zolang je dat ook niet ervaren hebt. Je kent geen dag zonder nacht of zwart zonder wit.
Carne Griffiths werkt voornamelijk met kalligrafie-inkten, grafiet en vloeistoffen zoals thee. Zijn fascinatie voor tekenen richt zich op het creëren en manipuleren van de getekende lijn. De beelden verkennen menselijke, geometrische en florale vormen, in een combinatie van zowel letterlijke als abstracte vertaling en als reactie op beelden en situaties die men in het dagelijks leven tegenkomt. Beelden worden in een droomachtige zin vastgelegd op de pagina waarbij fysieke grenzen onbelangrijk zijn. Zijn werk creëert een reis van escapisme die zich richt op scènes van ontzag en verwondering, die een gevoel van verlatenheid projecteren en de kijker uitnodigen dit innerlijke rijk te delen en te verkennen.
Griffiths komt oorspronkelijk uit Liverpool en studeerde in 1995 af aan het Kent Institute of Art and Design in Maidstone. Na een eenjarige KIAD-beurs en zijn verhuizing naar Londen liep hij stage bij het langst bestaande borduurbedrijf ter wereld. Hier werkte hij twaalf jaar als borduurontwerper voor gouddraad en werd uiteindelijk creatief directeur. Carne maakte ingewikkelde ontwerpen voor het leger en de film-, theater-, mode- en reclame-industrie. Zijn ontwerpen werden gebruikt voor de uniformen in de films Valkyrie, The Last King of Scotland, en in het bijzonder werd zijn 'Red Death Coat' gebruikt in The Phantom of the Opera. Carne's uitgebreide bloemenontwerpen voor Asprey werden opgenomen in hun allereerste catwalk collectie en zijn werk was te zien op de geborduurde cover van het 80e Royal Variety Performance programma in 2008.
Sinds de oprichting van zijn eigen studio in 2010, heeft Carne geëxposeerd in het Verenigd Koninkrijk en overzee met werk getoond op de London Original Print Fair, de Royal Academy, Stroke Art Fair, Affordable Art Fair, de London Art Fair en met solo-exposities in Brighton, Hong Kong, Milaan en een aankomende show in Hamburg. Carne werkte samen met de Britse fotograaf Rankin voor een 6-pagina's item in Hunger magazine en verscheen in publicaties wereldwijd, met name voor verschillende covers van de New York Observer, English Heritage magazine en voor merkprojecten waaronder werk voor Microsoft, Derwent, Peroni, Lakes Distillery en Ibis Hotels.
Marc begon met fotografie in 2013. Hij had er nooit veel mee gedaan, tot zijn zoon een jaar geleden zei dat hij zijn werk eens op sociale media moest plaatsen. Doch, met elke komma die hij tweet, krijgt hij al haat-berichten. Toch heeft hij het geprobeerd en de commentaar was verfrissend mild. Dus is hij het blijven doen.
Marc is opgegroeid met kunsten en met kunst zien. Bij zijn ouders en grootouders was altijd kunst aanwezig. Langs zijn moeders zijde waren zijn overgrootouders huisbewaarders van de academie van Dendermonde. Via het Davidsfonds werd hij van museum naar museum gesleurd. Ook zijn vader is een goede schilder en tekenaar. Zo is zijn appreciatie voor kunst ontwikkeld, het helpt als je eraan wordt blootgesteld. Met alle digitale mogelijkheden en geweldige softwarepakketten staat op creativiteit geen maat. Alles begint voor hem wel met een eigen foto. Die foto's leveren telkens de eerste pixels op. Ze zijn als de verf waarmee hij creatief aan de slag gaat. De kleuren en een deel van de vormen zitten erin, maar het resultaat is nadien vaak helemaal niet meer herkenbaar. Marc is een zoekend kunstenaar, hij experimenteert, een beetje zoals bij labowerk. Voor hem is dit op dezelfde manier creatief bezig zijn als bij wetenschappelijk onderzoek. Het stimuleert dezelfde beloningscentra in de hersenen..
Stéphanie Maillart schildert (op) muziek.
Haar creativiteit wordt gestimuleerd door de schoonheid van muziek.
Magie gebeurt. De tijd stopt. De verf danst op het doek.
De vibes stellen haar in staat om haar visie in absolute vrijheid uit te drukken. Ze krast de meerdere lagen verf en collages om verborgen texturen tot leven te brengen.
Haar geweldige avontuur begon op 17-jarige leeftijd nadat ze een Award in Californië won voor de best geschilderde sets van meerdere musicals, waaronder West Side Story. Dit bracht haar ertoe haar roeping als kunstenares te vinden..
Na het afronden van de opleiding en diverse banen in de reclamebranche, is Mart per toeval terecht
gekomen in de textielbranche. Daar heeft hij ruim 26 jaar ervaring opgedaan als dessin-tekenaar.
Alles nog met de hand.....
Door economische redenen kwam Mart in 2006 zonder werk te zitten, maar is vrij snel als zelfstandig
kunstenaar voor zichzelf gaan werken onder de naam M-Art Decorations.
Zijn werk.
Mart is vooral bekend om zijn bijzondere en vernieuwende muurobjecten.
Op deze objecten wordt een door hem zelf bedachte en ontwikkeld brand- en schildertechniek toegepast.
Elk uniek ontwerp wordt uit nieuw materiaal uitgebrand en daarna beschilderd met speciale verftechnieken.
In de videoclip op deze site is Mart aan het werk te zien.
Sinds korte tijd maakt Mart ook ingelegde, gepuzzelde objecten waarin hij veel kleuren gebruikt.
Naast deze muurobjecten maakt hij tevens interieur objecten zoals tafels, spiegels, kasten, kandelaars, etc.
Mart werkt vaak in opdracht.
Uiteraard met behoud van zijn eigen creativiteit.
Geraldine groeide op in een artistiek milieu en studeerde vervolgens in de kunstacademie van Gent (Kask).
Haar werk is figuratief, surrealistisch, vooral speels en luchtig, altijd in brons in verloren wasmethode. Door experimenteren met patines creëert ze haar eigen kleuren.
Voor Geraldine geeft kunst passie en zin in het leven.
In kunst ontmoet ze zichzelf, kunst inspireert, geeft energie en leidt tot nieuwe ideeën.
Geboren in Londen uit Noorse ouders, groeide Magnus Gjoen op in Zwitserland, Denemarken, Italië en het Verenigd Koninkrijk. Als hedendaagse kunstenaar heeft Gjoen wereldwijd geëxposeerd en stelt hij de noties van schoonheid in vraag door een reeks stijlen en media naast elkaar te zetten, waarbij hij een straat- en popesthetiek combineert met een fijne kunstbenadering. Zijn werken zijn gebaseerd op geschiedenis en allusie, waarbij hij bestaande kunstwerken of fragmenten uit het verleden gebruikt om zijn eigen, hedendaagse esthetiek te creëren.
Gjoen beschrijft zichzelf als een 'toevallige' kunstenaar. Hij studeerde beeldende kunst en modeontwerp, wat leidde tot een succesvolle carrière in de modewereld, waar hij werkte voor merken als Vivienne Westwood.
Hij keerde terug naar de kunstwereld omdat hij de muren van zijn flat in Londen versierde en zich realiseerde dat hij dat ook met zijn eigen kunstwerken kon doen. Gjoen's kunst, die tot nadenken stemt en vaak emotioneel is, geeft een moderne draai aan oude meesterwerken of manipuleert krachtige en sterke objecten tot iets fragiels en moois. Door twee genres uit totaal verschillende werelden te vermengen, gaat zijn kunst over herontdekking, het nemen van dingen uit het verleden en ze te vernieuwen voor de hedendaagse markt.
Al in mijn jeugd voelde ik mij aangetrokken door de kunst, en met mijn reiservaringen waarbij ik galerijen en museums bezocht werd ik zelf gestimuleerd om te tekenen en te schilderen.
Als autodidact begonnen, volgde ik lessen aan de academie van Wilrijk. Mijn eerste werken bestonden uit pastel, om daarna te schilderen met acryl. Met een goede begeleiding van de academie en steun van mijn kunstmentor Marc Melsen ontwikkelde ik een eigen stijl en werden mijn werken geselecteerd voor verschillende tentoonstellingen.
Nu schilder ik al enkele jaren met veel kleur en bespeel ik de primitieve kunst aangetrokken door de Cobra beweging en het Duits-Frans Expressionisme. Het is een vrijheid mijn werken te schilderen zonder regels en academische methodes, maar opgezet in spontaniteit en uitdagend zonder vooropgezet plan.
De fantasie figuren en abstracte creaties die ontstaan door meerdere overschilderingen, worden hierbij interessant en soms complex van betekenis. Het werk is ook wispelturig in afwisseling maar toch herkenbaar met terugkerende thema’s en met innerlijke kindsheid opgemaakt. Zo moet het kunstwerk ook de toeschouwer treffen met daarin zijn eigen verbeelding en verhaal
Mizart
Copyright © 2024 Mizart - Alle rechten voorbehouden
Ondersteund door GoDaddy
We gebruiken cookies om websiteverkeer te analyseren en de ervaring op je website te optimaliseren. Als je het gebruik van cookies accepteert, worden je gegevens gecombineerd met de gegevens van alle andere gebruikers.
Algemene openingsuren galerie Mizar(t) :
ma-do-vrij : 18-21u
zondag : 14-18u
Andere momenten steeds op afspraak mogelijk.
De huidige tentoonstelling loopt tot Pasen,
WELKOM !